Amphithéâtre de morphologie

100 ans après sa naissance en 1918, 50 ans après sa dissolution en mai 68, l’association des anciens élèves des Beaux-Arts de Paris reprend forme, sous le nom : Le Cercle Chromatique.

Le Cercle Chromatique vise à rassembler, soutenir et mettre en avant les anciens des Beaux-Arts de Paris partout dans le monde, en créant des liens intergénérationnels et des passerelles entre toutes les pratiques artistiques issues des Beaux-Arts.

Le Cercle Chromatique vous propose des rendez-vous les samedis après-midi, en donnant carte blanche à des anciens de l’École.
www.lecerclechromatique.org

L’artiste curateur. Entre création, diffusion, dispositif et lieux Une proposition de Frédéric Vincent, artiste plasticien et sculpteur, qui dirige l’espace Immanence à Paris avec Canelle Tanc.

Il propose de porter notre regard sur ces espaces d’exposition ouverts et gérés par des artistes où l’artiste devient alors curateur.

Au moment où les artistes-curateurs sont de plus en plus présents sur la scène artistique contemporaine, il est bon rappeler que les artistes-curateurs se manifestent depuis plus de deux siècles. Nous analyserons à travers l’histoire, les différents caractères existant de la position d’artiste-curateur. En tentant de dresser une typologie des artistes-curateurs six groupes distincts apparaissent, l’artiste invité au musée, le musée d’artiste, les curateurs amateurs, les artistes créateurs de lieux, les artistes monteurs d’exposition et les artistes scénographes. Ici, l’objectif est de rendre compte de la définition possible de l’artiste- curateur comme avant tout un créateur de lieu, de dispositifs, et d’espace d’exposition au service des autres. 

Amphithéâtre du mûrier

Ronan Grossiat fait partie d’une nouvelle génération de collectionneurs français qui choisissent de s’investir au lieu « d’investir », s’inscrivant hors des logiques de marché et de spéculation.

Son engagement est résolument tourné vers le soutien à de jeunes artistes par la production de projets lors d’expositions en institutions, de résidences ou biennales comme notamment la XIIIè Biennale de La Havane, La Construction de ce qui est possible (en avril-mai 2019).

Actif au sein d’associations de collectionneurs, il initie au sein de l’ADIAF le groupe Emergence, dédié à la jeune création et aux redécouvertes. Il est aussi membre du programme franco-britannique Fluxus Arts Projects, du Groupe d’acquisition Art Contemporain (GAAC) du Centre Pompidou.

Entrée libre

Amphithéâtre de morphologie

Violaine Lochu, née en 1987, vit et travaille à Montreuil. Elle exploite le langage et la voix. Dans ses performances, vidéos, pièces radiophoniques, elle croise ses propres recherches vocales avec une relecture libre de différentes traditions écrites ou orales (mythes, contes, chansons populaires), des réflexions théoriques (nourries de psychanalyse, de linguistique, de sociologie), et un matériau sonore recueilli lors des nombreuses rencontres auxquelles sa pratique donne lieu.

La performance créée pour le projet Mémoire Palace par exemple, est une ré-interprétation des paroles des 200 personnes de tous horizons, rencontrées durant les trois mois de sa résidence au Centre d’art, le 116 (Montreuil). À chacune de ses interventions, Violaine Lochu explore tout le spectre et toutes les possibilités esthétiques de sa voix, y compris les plus inattendues.

Violaine Lochu est diplômée de l’ENSAPC (École nationale supérieure d’art de Paris Cergy) et titulaire d’un Master de recherche en arts plastiques (Université Rennes 2). Lauréate du Prix Aware 2018 et du Prix de la performance 2017 du Salon de la Jeune Création, elle a performé durant le Salon de Montrouge 2016, au Palais de Tokyo (25 ans de D.C.A, 2017), au Jeu de Paume, au Kunstverein de Munich en Allemagne, enfin au Centre Pompidou (festival Extra 2018).

À l’invitation
de Valérie Sonnier, professeur de dessin de morphologie aux Beaux-Arts

Amphithéâtre du mûrier

La lecture, sous toutes ses formes, est au centre de la pratique de Catalogue Général. Marie Proyart et Jean-Marie Courant, graphistes et éditeurs, aiment prendre soin des lecteurs et de ce qui s’adresse à eux. La présentation des projets auxquels ils ont pris part sera l’occasion de comprendre comment ils ont construit, dans un dialogue étroit avec leurs commanditaires, des dispositifs de lecture singuliers.

À l’invitation
d’Aurélie Pagès et Julien Sirjacq, professeurs aux Beaux-Arts de Paris
et Catherine de Smet, maître de conférences à Paris 8

Amphithéâtre des Loges

La magie est une discipline qui comprend deux parties : la partie visible montrée au public et qui revêt l’apparence de l’impossible ; la partie, invisible, que le public ne voit pas et qui permet au magicien d’arriver à ses fins, et sont ses procédés secrets.

La création du magicien est unique mais également fragile car menacée. Une menace existe au sein de la communauté des magiciens où des « vols » de créations ont lieu entre confrères. Elle se situe également en dehors de cette communauté, à l’heure où internet permet une diffusion sans précédent des révélations des secrets des magiciens, à leur dépend.

Le droit peut-il venir au secours du magicien créateur ? Si oui, comment protéger une création qui offre à la fois un aspect apparent et un aspect dissimulé ? Quid du secret du magicien ? Constitue-t-il un secret professionnel comparable à d’autres secrets réglementés ?

Guilhem Julia est maître de conférences en droit privé à l’Université Paris XIII. Ses domaines de recherche sont le droit de la propriété intellectuelle, le droit de l’internet et la protection des données personnelles. Guilhem Julia mène en parallèle une carrière de magicien professionnel qui l’a conduit à se produire au Maroc, en Chine et en Russie, et à participer à des compétitions internationales.

À l’invitation
de Patricia Ribault, professeure aux Beaux-Arts de Paris

Amphithéâtre des Loges

Fujita Tsuguharu (Léonard Foujita, 1886-1968) fut le premier peintre asiatique à connaître le succès en Europe comme « artiste contemporain ». Mais il fut aussi le plus grand des peintres de guerre japonais du XXe siècle. À l’occasion de la présentation exceptionnelle des deux plus célèbres tableaux de guerre de Foujita à la Maison de la culture du Japon à Paris, Michael Lucken revient sur l’histoire de l’art du Japon en guerre, sur ses modèles, ses valeurs, ainsi que sur sa conservation et sa postérité.

Michael Lucken est historien de l’art et japonologue. Professeur à l’INALCO et membre de l’IUF, il a publié, entre autres, L’Art du Japon au vingtième siècle : pensée, formes, résistances (Hermann, 2001), Grenades et Amertume. Les peintres japonais à l’épreuve de la guerre, 1935-1952 (Les Belles Lettres, 2005), 1945-Hiroshima : les images sources (Hermann, 2008), Les Fleurs artificielles : création, imitation et logique de domination (Inalco, 2016), Japon, L’archipel du sens (Perrin, 2016), Nakai Masakazu, Naissance de la théorie critique au Japon (Presses du réel, 2016).

À l’invitation
de Clélia Zernik, professeure d’esthétique aux Beaux-Arts de Paris
et chercheure en art et cinéma japonais, qui anime
le séminaire annuel Désirs d’Asie.

Amphithéâtre des Loges

Café Togo de Chihying Musquiqui et Gregor Kasper (2018, 27mn) se penche sur les tentatives de rebaptiser le nom des rues à connotation coloniale dans le "quartier africain" de Berlin tout en explorant la conception d’une nouvelle politique mémorielle de l'activiste noir Abdel Amine Mohammed militant « décolonial » et auteur de la partie fiction du film. Ce récit multidimensionnel – split-screen, 16 mm et numérique – montre l’Histoire volontairement effacée des mémoires et son contexte contemporain. Chihying Musquiqui et Gregor Kasper vivent et travaillent à Berlin. Ils interrogent les relations culturelles, économiques et politiques entre l’Afrique, la Chine et l’Europe dans une perspective post-colonialiste et post-migrationnelle.

Soleil O de Med Hondo (1969 , 1h43) : Dans une colonie française non identifiée en Afrique de l'Ouest, les hommes noirs s'alignent devant un prêtre blanc pour le baptême et le « renommage, » la première étape d'un processus qui les déracine et les subjugue simultanément. Le film a été censuré dans plusieurs pays occidentaux . Forme ultra novatrice, mêlant scènes surréalistes et discours face caméra, le film décortique chaque aspect du colonialisme. Après son film Lumière noire (1994, adaptation du roman de Didier Daeninckx) qui traite d’une bavure policière dans un vol charter, Med Hondo a été interdit de tournage dans les aéroports français et dans les hôtels alentour. Med Hondo est acteur, réalisateur et producteur. En 1986, il a reçu le grand prix du FESPACO au Burkina Faso et le prix du meilleur film au festival de Londres pour Sarraounia.

Charlotte Corchète est diplômée de la FEMIS et est étudiante chercheuse en sociologie à l’EHESS. Elle a travaillé au sein du service de programmation de la collection des films du Centre Pompidou et au festival Entrevues. En 2019, elle est membre du comité de sélection des courts métrages en compétition internationale du Festival de Locarno.

À l’invitation
de Julie Courel, enseignante vidéo aux Beaux-Arts de Paris

Amphithéâtre des Loges

Arnaud Desplechin, né en 1960 à Roubaix, suit les cours de cinéma de Serge Daney et Pascal Kané à l’Université Paris III puis est diplômé de l’Idhec en 1984. Il y rencontre plusieurs de ses futurs collaborateurs : Pascale Ferran, Noémie Lvovsky et Éric Rochant.

Au cours de ses études, Arnaud Desplechin découvre le travail d’un passionné de Jean Ray, le réalisateur Alain Resnais, dont il dira plus tard qu’il est « le cinéaste qui l’a touché le plus violemment ».

Il est l’auteur de neuf longs métrages : La Sentinelle, 1992 ; Comment je me suis disputé… (ma vie sexuelle), 1996 ; Esther, ahn, 2000 ; Léo, en jouant « Dans la compagnie des hommes », 2003 ; Rois et Reine, 2004 ; L’Aimée (documentaire), 2007 ; Un conte de Noël, 2013 ; Jimmy P. (Psychothérapie d’un Indien des plaines), 2008 ; La Forêt (téléfilm), 2014 ; Trois souvenirs de ma jeunesse, 2015 ; Les Fantômes d’Ismaël, 2017 ; Roubaix, une lumière 2019. Il reçoit de nombreux prix cinématographiques d’« Art et Essai » dont le prix Louis-Delluc en 2004, et obtient le César du meilleur réalisateur en 2016 pour Trois souvenirs de ma jeunesse.

Alain Vanier est psychanalyste, professeur émérite des universités, ancien psychiatre des hôpitaux.

Amphithéâtre des Loges

« Mon travail oscille entre le plus grand archaïsme (la chouette augure de la mort et de la naissance) et le monde contemporain (son actualité). Entre l’art et la vie (je dresse de petits autels à tous les « ressentis »). Entre la peinture et la sculpture (je peins les sculptures). Entre l’art et la nature (de mon atelier, j’observe la belle mécanique et les magnifiques rouages de la nature qui s’imposent dans les opposés et qui se complètent). Les sculptures répondent à l’harmonie de la nature, elles disent « Merci », « C’est ainsi », « Oui », elles veulent réconcilier, apaiser. Je crée aussi pour savoir qui je suis, en somme pour traverser les réalités de ma présence au monde et y répondre. »

Françoise Vergier est née en 1952 dans la Drôme. Elle partage son temps entre sa région et Paris où son travail est exposé à la galerie Papillon. Fille de paysans, elle est marquée par la nature ; elle se considère comme une « fille de la terre ». Cette terre, elle la modèle, la sculpte, la cuit et la peint. Elle pratique également le dessin, la technique du verre. Au travers des ces médium, elle exploite des fragments du corps féminin.

À l’invitation
de Vincent Rioux, responsable du pôle numérique aux Beaux-Arts de Paris

Amphithéâtre de morphologie

100 ans après sa naissance en 1918, 50 ans après sa dissolution en mai 68, l’association des anciens élèves des Beaux-Arts de Paris reprend forme, sous le nom : Le Cercle Chromatique.

Le Cercle Chromatique vise à rassembler, soutenir et mettre en avant les anciens des Beaux-Arts de Paris partout dans le monde, en créant des liens intergénérationnels et des passerelles entre toutes les pratiques artistiques issues des Beaux-Arts.

Le Cercle Chromatique vous propose des rendez-vous les samedis après-midi, en donnant carte blanche à des anciens de l’École.
www.lecerclechromatique.org

Performances
Une proposition de Jean-François Guillon, artiste.

Amphithéâtre du mûrier

Au milieu des années 1970, apparaît aux États-Unis une génération d’artistes que l’on nomme aujourd’hui Pictures Generation, dont les oeuvres copient ou imitent des représentations issues de la publicité, du cinéma, d’émissions de télévision ou d’autres sources d’images mises en scène et élaborées pour engendrer identification et suggestion.

À titre d’exemples, Cindy Sherman se photographie de façon à ressembler à une actrice dans une scène de film, ou Richard Prince reproduit des publicités. En manipulant des représentations faites pour affecter leur public, ces artistes exploitent le pouvoir de créer de la fascination, de l’adhésion ou de l’identification.

La Pictures Generation utilise des stéréotypes pour proposer d’en faire une expérience ambiguë, car dans leurs oeuvres les suggestions proposées par les images sont troubles.

François Aubart est critique d’art, commissaire d’expositions indépendant et éditeur. Il est co-fondateur du projet éditorial future (http://f-u-t-u-r-e.org/) et enseigne à l’Ensba Lyon.

À l’invitation
d’Aurélie Pagès, professeure aux Beaux-Arts de Paris

Amphithéâtre d’Honneur

Née à Marseille en 1953, Macha Makeïeff est auteure et metteuse en scène. Créatrice de décors et de costumes, elle est aussi commissaire d’exposition et écrit des essais sur le théâtre. Elle dirige La Criée, théâtre national de sa ville natale, depuis 2011.

Macha Makeïeff fonde avec Jérôme Deschamps la compagnie « Deschamps et Makeïeff ». Ensemble, ils créent C’est dimanche (1985, Dakar) et Les pieds dans l’eau (1992, Théâtre de Nîmes) qui est récompensé par le Molière du meilleur spectacle comique.

Dès 1979, ils inventent « Les Deschiens » avec une troupe constituée autour de François Morel, Yolande Moreau et Olivier Saladin. 14 ans après, leurs pièces deviennent des sketchs diffusés sur Canal+.

En 2001, elle fonde avec Jérôme Deschamps et Sophie Tatischeff « Les films de mon Oncle », afin de promouvoir et diffuser l’oeuvre de son oncle, Jacques Tati. En 2009, elle est commissaire et scénographe pour l’exposition « Jacques Tati, deux temps trois mouvements » produite par la Cinémathèque Française.

Macha Makeïeff est l’auteure de la scénographie de l’exposition Éblouissante Venise, présentée au Grand Palais de septembre 2018 à janvier 2019.

À l’invitation
d’Hélène Delprat, professeure aux Beaux-Arts de Paris

Amphithéâtre des Loges

Généralement relégué au second plan, l’espace de l’atelier s’est réaffirmé au tournant des années 1960 comme le cadre possible d’une nouvelle formulation des pratiques artistiques. Qu’il s’agisse pour les artistes d’opérer un renversement tautologique faisant du lieu de production une instance de monstration, ou bien d’en réinvestir la fonction symbolique et politique dans la genèse d’une oeuvre, l’espace domestique délimite désormais, à l’heure des nouveaux usages des images en mouvement, une nouvelle topographie où semblent se rejouer l’articulation entre production et exposition.

Enrico Camporesi et Jonathan Pouthier travaillent au service de la collection film du Musée national d’art moderne – Centre Pompidou. Ils ont conçu et organisé plusieurs programmes de films/vidéos tels que Duchamp du film (2014), L’Exposition d’un film (2015 et 2016, en collaboration avec M. Copeland,), Metacartoons (2016), Pour une histoire de l’art projetée (2017).

Amphithéâtre des Loges

Fifi hurle de joie est-il un docu-fiction ? On est en droit de se le demander même si l’on a à faire au peintre iranien Bahman Mohasses en chair et en os, et que Mitra Farahani parvient à l’amadouer pour qu’il raconte cette vie d’artiste tumultueuse, qu’il interrompra.

Car si Mohasses que la réalisatrice retrouve dans un hôtel à Rome, a produit une importante oeuvre de peinture et de sculpture que l’on peut qualifier de post-surréaliste et contribué de façon significative à la vie artistique iranienne, celle-ci a été engloutie par la dictature.

Avec ce film, il nous est donné de saisir les conséquences de la destruction d’une oeuvre, de voir son auteur hurler et en rire, puis de suivre l’artiste en fin de vie, dans la création du dernier « chef d’oeuvre inconnu ».

Mitra Farahani (née en 1975) scénariste et réalisatrice iranienne, vit entre Téhéran et Paris. Étudiante à l’Université de Téhéran puis aux Arts Décoratifs (Paris), elle réalise son premier documentaire, Juste une femme, en 2001. Avec Fifi hurle de joie, elle est sélectionnée au Festival de Berlin et au Cinéma du réel (Prix Scam).

Fifi hurle de joie – Le chef d’oeuvre inconnu de Bahman Mohassess Boutimar Production, anglais, VOSTF, 97 min, USA, France, 2013.

En collaboration avec SensoProjekt

Amphithéâtre des Loges

Jean Fournier a embrassé le métier de marchand d'art en 1954. Dans ses différentes galeries parisiennes, il a accueilli de tout jeunes artistes récemment installés en France – Simon Hantaï, Joan Mitchell, Shirley Jaffe, Sam Francis, James Bishop – dont il s’est attaché à défendre les oeuvres sa vie durant. Amoureux de la peinture, il aimait suivre de près le développement de ses artistes et n’avait de cesse de partager avec les visiteurs l’émotion que lui procuraient leurs expositions. Sous son égide, une nouvelle génération de peintres (Claude Viallat, Pierre Buraglio, Bernard Piffarretti, Stéphane Bordarier…) se fit connaître. Avec eux aussi, Fournier se montra un passeur généreux et fidèle. Il fut une sorte de résistant quand sur la scène de l’art mondialisée le modèle du chef d’entreprise tendait déjà à remplacer la figure du marchand exigeant, fidèle aux choix d’une cohérence sans faille qu’il représentait.

À travers le portrait du galeriste, Catherine Francblin dresse le portrait d’une époque, mais aussi d’un écosystème avec ses acteurs, ses réseaux, ses pratiques.

Catherine Francblin, ancienne rédactrice en chef du magazine Art Press, a travaillé au Musée d’art moderne de la Ville de Paris, puis au CNAP en tant que responsable des éditions du Fonds National d’Art Contemporain. Critique et historienne d’art, elle est notamment l’auteure de : Les Nouveaux Réalistes (1997), Bertrand Lavier (1999), Niki de Saint Phalle. La révolte à l’oeuvre (2013). Son dernier opus, Jean Fournier, un galeriste amoureux de la couleur (éd. Hermann), vient de paraître.

À l’invitation
de Bernard Piffaretti, professeur aux Beaux-Arts de Paris

Amphithéâtre du mûrier

L’appropriation artistique, quel que soit le medium utilisé ou le contenu d’origine mobilisé, soulève de nombreuses problématiques juridiques tant en France qu’à l’étranger, essentiellement aux États-Unis.

L’enjeu de cette conférence est de déterminer quelles sont les pratiques à risque, leurs conséquences juridiques et financières potentielles, ou encore les moyens d’action dont dispose l’artiste lorsque qu’il constate que son oeuvre est reprise sans autorisation. Des exemples de décisions judiciaires récentes, tant françaises qu’américaines, éclaireront la réflexion en vue d’ouvrir le débat.

Maître Alexis Fournol est avocat au Barreau de Paris et intervient auprès de l’ensemble des acteurs du marché et du monde de l’art. Auteur de nombreux articles juridiques sur les enjeux de ce secteur, il collabore désormais à la version française de The Art Newspaper.

À l’invitation
d’Aurélie Pagès, professeure aux Beaux-Arts de Paris

Amphithéâtre des Loges

Richard Fauguet, diplômé de l’École des Beaux-Arts de Bordeaux, est né en 1963. Depuis 1985, il a rempli des dizaines d’albums, de carnets, a accumulé des bandes dessinées, de vignettes Panini, de collections de photographies et d’images de presse. Son travail est composé de dessins, collages, assemblages, sculptures, d’installations vidéo…

Richard Fauguet puise ses références dans la culture de masse, la sciencefiction ou le cinéma. Il utilise des supports et matériaux hétéroclites liés à la culture populaire industrielle (gommettes, draps de lit, lasagnes, tipex…). Il manie notre imagerie mentale issue de la consommation afin d’en retourner, d’en déplacer les sens. Avec humour, il évoque la manière que nous avons de regarder notre réalité.

Après une première exposition personnelle en 1987, au Centre Régional d’Art Contemporain à Châteauroux, ses oeuvres seront présentées dans plusieurs institutions françaises et européennes.

Le Frac des Pays de la Loire l’a invité en 2018 à la collégiale Saint-Martin à Angers pour l’exposition ARGOS.

À l’invitation
de Daniel Schlier, professeur aux Beaux-Arts de Paris