Amphithéâtre des Loges

L’album de famille ou Le Labyrinthe, docu-fiction, 110 minutes, scénario et réalisation Pierre Barouh (1976).

Créées en 1965 par Pierre Barouh, auteur, compositeur interprète et comédien, les éditions musicales Saravah sont remarquées grâce au film Un homme et une femme de Claude Lelouch, dont Pierre Barouh compose la musique. Celui-ci a toujours été apte à reconnaître le « talent des autres ». Bien avant l’apparition de l’expression « world music », Saravah devient une véritable arche pour les artistes de tous bords, poussés par l’esprit de recherche. Là se sont rencontrés le Art Ensemble de Chicago, Brigitte Fontaine, Jacques Higelin, Areski Belkacem, le chanteur gabonais Pierre Akendengue, le brésilien Nana Vasconcelos, Jack Treese, Chic Streeman, Jean-Roger Caussimon, le groupe psychédélique Majhun, Daniel Mille, Allain Leprest, Richard Galliano… La liste des artistes du label Saravah est longue et reflète par-delà les genres et les pays, le multiculturalisme de son directeur. Au coeur de son projet l’obsession de la découverte de l’autre, et l’amour de la création et des voyages.

L’album de famille ou le Labyrinthe, troisième film de Pierre Barouh réalisé en 1976 est enfin disponible en DVD. Pierre Barouh y embarque son équipe d’artistes, invités dans un festival du sud-ouest de la France, mêlant spectacles de rue, conférences, gastronomie, rallye automobile et rugby, sous l’égide du magazine de voyage « Partir ». À mi-parcours du film, le réalisateur s’interroge sur la cohérence de son projet et engage un scénariste qu’il fait venir dans sa maison de campagne en Vendée…

Né en 1970, Benjamin Barouh fait ses premiers pas au milieu de la communauté d’artistes Saravah, au son du berimbau et de la guitare acoustique. Après la publication d’un roman, il travaille actuellement à un recueil d’entretiens Saravah, le passage des Abbesses qui paraîtra aux éditions Le mot et le reste en 2017.

Amphithéâtre des Loges

eRikm est un musicien improvisateur, compositeur et plasticien français né à Mulhouse en 1970. Depuis 1992, eRikm écume les scènes internationales. Attentif au maintien de la fusion entre pensée, instinct et sensibilité, il ose la simultanéité des pratiques et la mise en tension de différents modes de composition, dans et avec les langages.

Très vite considéré comme un virtuose des platines et des arts sonores, eRikm traverse les mondes-systèmes dits « indépendants » ou « institutionnels » et prend le risque d’échapper à toute forme de catégorisation.

Il développe une approche prospective du médium technologique, à la fois comme instrument de création, de production, de diffusion et comme outil de développement d’un modèle économique.

Un processus qui ne cesse jamais de traiter les matières sonores comme un organisme vivant, en mutation permanente, exposé au risque de l’accident comme à celui du ravissement et de l’unisson. Son intérêt pour la phonographie est intrinsèquement lié à l’observation des phénomènes électroniques générés par la nature. Son travail résonne certainement de ses recherches à la frontière des sciences et d’une poésie curieuse du monde.

Au fil du temps, les rencontres et collaborations se nouent naturellement avec d’autres créateurs : Luc Ferrari, Christian Marclay, Mathilde Monnier, Jérôme Noetinger, F. M. Einheit, Les Percussions de Strasbourg…

Autant d’heureuses « co-incidences » qui marquent cette recherche instinctive de transmutation, ces jeux sur plusieurs plans.

Seul ou accompagnés, eRikm conçoit également des oeuvres spécifiques, transversales, pour des espaces et des commandes (discographiques, radiophoniques, installations, vidéos…).

En collaboration avec Les Instants Chavirés.

Amphithéâtre des Loges

L’univers dansé de Myriam Gourfink emplit le regard d’un ordonnancement abstrait, en constante évolution, aussi fluide que lent, habité de foyers humains en recomposition incessante.

Comme le font les musiciens, elle utilise un système d’écriture symbolique pour composer un univers qui exprime l’évolution poétique de la danse. L’idée est de rechercher la nécessité intérieure qui mène au mouvement. Guidée par le souffle, la danse est lente, épaisse, vécue dans un temps continu. Chaque chorégraphie invite l’interprète à être conscient de ses actes et de ce qui le traverse. Les partitions guident sa participation. Pour certains projets, Myriam Gourfink intègre au sein de l’écriture des dispositifs informatisés de perturbation et de re-génération en temps réel. Les interprètes pilotent, via des capteurs de mouvement, les processus de modification de la partition chorégraphique qu’ils lisent sur des écrans LCD.

Figure de proue de la recherche chorégraphique en France, invitée par de nombreux festivals internationaux, Myriam Gourfink a été artiste en résidence à l’IRCAM en 2004-2005 et au Fresnoy en 2005-2006.

De 2008 à 2013, elle a dirigé le Programme de recherche et de composition chorégraphiques (PRCC) à la fondation Royaumont. De 2012 à 2014, elle a été artiste résidente au Forum de Blanc-Mesnil, puis en 2015 à 2016 elle est accueillie en résidence de saison à Micadanses.

Amphithéâtre du Mûrier

Alain Cueff est historien de l’art, critique et écrivain. Il a publié de nombreux articles sur l’art américain et sur l’art contemporain depuis 1945. Il a été le commissaire de l’exposition La peinture après l’abstraction, 1955-75, au Musée d’art moderne de la ville de Paris en 1999, et du Grand Monde d’Andy Warhol, aux Galeries Nationales du Grand Palais, Paris, en 2009. Il a publié Warhol à son image, aux Éditions Flammarion (Prix France-Amériques), 2009, et Edward Hopper, entractes, aux mêmes éditions en 2012. Il a enseigné l’histoire de l’art à l’Université Lille III, à la Rijksakademie d’Amsterdam avant de rejoindre  l’ENSAD, où il anime aussi les rencontres de l’Atelier.

Sylvie Wuhrmann est directrice de la Fondation de l’Hermitage à Lausanne depuis 2011. Licenciée en lettres de l’Université de Lausanne, elle est titulaire d’un DEA obtenu à l’EHESS. Sylvie Wuhrmann a organisée de nombreuses expositions, Victor Hugo, Dessins visionnaires, Peindre l'Amérique, Les artistes du Nouveau Monde (1830-1900).

En 2014, elle a présenté une exposition intitulée Le goût de Diderot, Greuze, Chardin, Falconet, David. Une grande partie de cette présentation a été consacrée à l’écrivain et à la relation intime qu’il a entretenue avec l’art, relatée dans ses comptes-rendus rédigés entre 1759 à 1781. Ces textes, d’une liberté de ton remarquable, ont marqué l’émergence de la critique d’art telle qu’on la connaît aujourd’hui.

Mandana Covindassamy est normalienne, agrégée d’allemand, docteur en études germaniques, maître de conférences en littérature allemande au département LILA (ENS). Elle enseigne la littérature germanique et la théorie littéraire ainsi que la traduction. Ses publications se penchent sur W.G. Sebald, Robert Walser, Alexander Kluge ou encore sur la réception de la poésie persane dans l’espace germanophone.

Amphithéâtre d’honneur

À l’occasion de la réédition de l’ouvrage fondamental des époux Wittkower, Les Enfants de Saturne, Psychologie et comportement des artistes de l’Antiquité à la Révolution française, aux éditions Macula, traduit par Daniel Arasse, François-René Martin, auteur de la postface, s’entretiendra avec le public.

Dans la fresque foisonnante des « Enfants de Saturne » où se croisent les furieux (Cellini, Caravage) et les suicidaires (Rosso, Borromini), leurs torves compagnons pervers (Sodoma) et paranoïaques (Messersschmidt) agrémentés d’habiles intrigants (Titien) et de quelques amoureux (Fra Filippo Lippi, Raphaël), les peintres et les sculpteurs les plus illustres prennent vie à travers les témoignages de leurs contemporains (Vasari, Van Mander, Baldinucci), cependant que se transforme progressivement la position sociale des artistes.

L’érudition des époux Wittkower mobilise une grande diversité de sources. Lettres, carnets de commandes, biographies, journaux intimes… défilent pour nourrir cette vaste enquête jusqu’à sa dernière interrogation, effet inévitable des incursions répétées de la psychanalyse en histoire de l’art : entre l’homme et l’oeuvre s’ouvre un abîme infranchissable que la biographie ne parvient pas à combler.

François-René Martin, professeur aux Beaux-Arts de Paris revient sur l’importance de cette étude, mettant en lumière son actualité autant que son intemporalité.

Pierre Buraglio, peintre, lithographe a été professeur aux Beaux-Arts de Paris. Il a exposé dans de nombreux musées et institutions et ses oeuvres ont fait l’objet de commandes publiques.

Amphithéâtre des loges

La célèbre sculpture du David, que Michelangelo Buonarroti (1475-1564) a réalisé en 1504 d’un seul bloc de marbre blanc, haute de 4,34 m, symbolise la Renaissance. Pour Florence, ce colosse incarne autant l’idéal de la beauté que la force virile et civile. David tient sa fronde sur l’épaule gauche en défiant Goliath, le géant militaire des Philistins qui menace les Israélites.

La lanière de la fronde forme un pli qui s’apparente à un sexe masculin circoncis. Cette image cachée renvoie-t-elle à l’épisode biblique (Samuel,18, 25.27) ? « David se leva, partit avec ses gens, et tua deux cents hommes parmi les Philistins ; il apporta leurs prépuces, et en livra au roi le nombre complet. (…) » La circoncision est le signe de l’alliance donné par Dieu à Abraham. Le David de Michel-Ange, non-circoncis, réunit-il autant un corps chrétien qu’un corps biblique ?

Cette conférence dévoile la piazza della Signoria à Florence, comme un théâtre où se joue une scène politique et érotique dont les acteurs sont les sculptures monumentales. Elle explore plusieurs temporalités de l’Ancien Testament à Cosme 1er de Médicis, en passant par la mythologie gréco-romaine.

Docteur en histoire de l’art, Jeanette Zwingenberger, qui a publié sa thèse sur Hans Holbein le Jeune, L’Ombre de la mort, enseigne à Paris I Panthéon-Sorbonne. Elle a été le commissaire des expositions Une image peut en cacher une autre : Arcimboldo, Dali, Raetz, Grand Palais 2009 ; L’Homme-Paysage, Visions artistiques du paysage anthropomorphe entre le XVIe et le XXIe siècle, Palais des beaux-arts de Lille, 2006. Spécialiste de la Renaissance comme de la scène contemporaine, ses dernières recherches portent sur les images cachées.

Après la conférence, nous nous retrouverons dans la Chapelle des Petits-Augustins devant la copie du Jugement dernier de Michel-Ange.

Amphithéâtre des Loges

Tony Conrad : Completely in The Present, de Tyler Hubby, Burning Bridges, (102 minutes, 2016).

L’artiste américain Tony Conrad (1940-2016) réalisa de nombreux films expérimentaux dont le célèbre The Flicker qui marquera un tournant dans le mouvement d’avant-garde du Structural Film. Ce long-métrage raconte avec emphase le large champ des activités de cet artiste minimaliste « du son et de l’image filmique », depuis sa collaboration avec la Monte Young, sa contribution au Velvet Underground, sa fréquentation de la Factory (Warhol), sa collaboration avec Tony Oursler, en passant par son légendaire Theater of Eternal Music (1960’s) et ses Yellow Movies (1970’s).

Ce film tonique, et formidablement monté abonde en images d’archives, venant d’un artiste qui révolutionna aussi la musique dite répétitive.

À peu près tout y est rapporté de sa vie aventureuse et de son oeuvre radicale. Montré en 1re mondiale au New York Film Festival, ce film a déjà été présenté dans de nombreux lieux dont le festival FILAF à Perpignan, où il obtint la palme d’argent en 2016.

Tyler Hubby, son auteur (né en 1969 aux États-Unis), a très tôt fréquenté la scène avant-gardiste et expérimentale américaine et a réalisé, produit ou coproduit plus d’une trentaine de documentaires – dont A Small Act(2010), For My Country (2006), à propos des Latinos dans l’armée américaine, et Double Take, essai métaphysique de Johan Grimonprez sur le meurtre d’Alfred Hitchcock par son double (2009).

En collaboration avec SensoProjekt.

Amphithéâtre du mûrier

Steven Pippin est né à Redhill en Angleterre, en 1960, et vit aujourd’hui à Londres et Berlin. Il a suivi une formation d’ingénieur en mécanique avant d’intégrer l’école des Beaux-Arts de Brighton puis de Chelsea à Londres. Son appréhension conceptuelle de l’art et son goût pour la mécanique et les sciences, se matérialisent dans l’élaboration de machines et d’appareillages dévoilant dans leur mise en oeuvre technique, une dimension philosophique.

« Le développement exponentiel et effréné de la photographie est inversement proportionnel à la qualité du contenu. Alors que de plus en plus d’appareils photo sont produits, améliorés et intégrés à d’autres technologies, la qualité du sujet s’appauvrit à un rythme croissant. La qualité de résolution en constante augmentation est peut-être la cause de la perte d’intérêt dans l’image elle-même. À présent, la saturation d’image a atteint un tel niveau que cela pourrait finir par dépasser la réalité, si ce n’est pas déjà le cas. […] En réfléchissant à la meilleure façon de se débarrasser de la photographie, ou tout du moins de limiter ses effets, je me suis demandé s’il serait possible que l’appareil photo crée un autoportrait exactement au moment de sa destruction. » Extrait du texte Photographicus pilosophicus de Steven Pippin.

À l’occasion de l’exposition personnelle de Steven Pippin à la Galerie de Photographie du Centre Pompidou, du 14 juin au 11 septembre 2017, la conférence revisitera son oeuvre photographique et sculpturale.

Avec la participation d’Olivia Guigue, artiste et ancienne étudiante des Beaux-Arts, qui collabore avec Steven Pippin depuis peu, et vit à Londres et Berlin.

18h-22h, 14 rue Bonaparte et 13 quai Malaquais

Plus de 40 ateliers s’ouvrent au public et présentent leurs travaux. L’association des Amis des Beaux-Arts remettra cinq Prix aux étudiants dont les œuvres font l’objet d’une exposition durant les Ateliers Ouverts.

11h-20h, 14 rue Bonaparte et 13 quai Malaquais

À l’occasion des portes ouvertes des Beaux-Arts de Paris, expositions, rencontres, performances et concerts sont proposés tout au long de la journée.