Doppio Autoritratto (1974) est le dernier film réalisé par Marinella Pirelli avant qu’elle ne cesse sa pratique artistique.

Le film commence par ses mots : « Dans ce film, je suis autant réalisatrice qu’actrice. Dans les séquences en mouvement, je me déplace la caméra à la main, l’objectif tourné vers moi. Personne n'a contrôlé la caméra pendant le tournage. Elle était ma partenaire : maintenant chacun de vous est mon partenaire. »

Artiste cinétique italienne, Marinella Pirelli (1924-2009) s’intéresse au cinéma dès 1951 en travaillant au sein des studios d’animation Filmeco à Rome. Entre 1961 et 1971, ses films tournés, avec cette caméra 16mm que l’artiste a toujours sur elle, sont des objets à la limite du document filmé en POV (Point of View Shot, point de vue subjectif). Y apparaissent ses lieux de vie et ceux de ses ami.e.s : maison, jardin, atelier, salles d’exposition. Le regard de Marinella Pirelli rend compte de ses expériences cinétiques sur la lumière et la couleur.

Séance conçue en collaboration avec Georgia René-Worms, centrée autour de Marinella Pirelli.
Liste des films présentés :
Doppio Autoritratto, 1974, 12’
Narcisio, 1966-1967 11:02’
Indumenti, 1966 02:20’
Al di della pittura,1969 10:32’
Bruciare, 04:03’

Créé en 2014, Caro Sposo est un collectif constitué de Marie Canet, Stéphanie Cottin, Clément Dirié et Caroline Ferreira, qui programme des films, vidéos et performances d’artistes contemporains, français et internationaux, explorant toutes les expressions et esthétiques.

Amphithéâtre du Mûrier
Entrée Libre

Le travail de Marguerite Humeau met en scène la traversée de grandes distances dans le temps et dans l'espace, des transitions entre le règne animal et minéral, et les rencontres entre les désirs personnels et des forces naturelles. Son travail explore les possibilités de communication entre les mondes et les moyens par lesquels la connaissance est générée, en l’absence de preuves ou à travers l’impossibilité d’atteindre l’objet de l’investigation.
Humeau entremêle et transforme des événements factuels en narrations spéculatives, permettant ainsi à des formes de vie inconnues, invisibles, éteintes, d'éclater dans une splendeur grandiose. Combinant préhistoire, biologie occulte et science-fiction en un spectacle déconcertant, ses œuvres ressuscitent le passé, fusionnent les mondes souterrains et sous-cutanés, tout en remettant à jour le genre de la quête à l’ère de l’information.

Amphithéâtre des Loges
Entrée libre

Anne Imhof conversation avec Bojan Sarjevic

Anne Imhof vit et travaille à Berlin et New York. Ses peintures, sculptures et performances sont montrées sur la scène internationale depuis 2012. Son travail a fait l’objet de nombreuses expositions monographiques : Tate Modern de Londres (2019), Art Institute de Chicago (2019), Pavillon allemand de la Biennale de Venise (2017), Hamburger Bahnhof de Berlin (2016), Kunsthalle de Basel (2016), MoMA PS1 à New York, Carré d’Art – Musée d’Art contemporain de Nîmes (2014) et Portikus, Frankfurt am Main (2013). Elle a également participé à plusieurs expositions collectives comme au Tai Kwun à Hong Kong (2019), à la Biennale de Montréal (2016), au Palais de Tokyo (2015), au Centre Pompidou (2015) ou encore au Museum für Moderne Kunst de Francfort (2014). Elle a représenté l’Allemagne à la Biennale de Venise en 2017, où elle a remporté le Lion d’Or pour la meilleure participation nationale. Elle a également été lauréate du Absolut Art Award en 2017 et du Preis der Nationalgalerie en 2015.

Anne Imhof a été professeure invitée et artiste en résidence à l’Académie Bildenden Künste de Munich (2015), et artiste-invitée de nombreuses universités parmi lesquelles la Städelschule de Francfort, l’université de Yale à New Haven ou encore l’ArtCenter College of Design de Pasadena.

Elle compose la musique de ses pièces Angst (2016), Faust (2017) et Sex (2019) accompagnée de Franziska Aigner, Billy Bultheel et Eliza Douglas. En 2017 la Galerie Buchholz sort son premier single, intitulé « Brand New Gods ». Faust, son premier album, est diffusé par PAN.

Amphithéâtre des Loges
Entrée libre

© Nadine Fraczkowski

Masterclass de Bruno Latour, sociologue, anthropologue et philosophe des sciences, il est commissaire de la biennale de Taipeh 2020 avec Martin Guinard et commissaire avec Peter Weibel de l’exposition Critical Zones Observatories of Earthly Politics qui ouvrira à New York en mai 2020.

Amphithéâtre des Loges
Entrée libre 

À l’occasion de sa participation à l’exposition « Huysmans critique d’art, de Degas à Grünewald, sous le regard de Francesco Vezzoli » au Musée d’Orsay, l’artiste Francesco Vezzoli dialogue avec le philosophe Donatien Grau.

Depuis vingt ans, Francesco Vezzoli redéfinit la fonction de l’artiste. Ni artiste au sens traditionnel du terme, ni directeur artistique, ni commissaire, il change les modèles, entre l’art, la mode, la pop culture, l’histoire de l’art et l’histoire culturelle, pratiquant la vidéo, la broderie, la photographie, la performance, les expérimentations médiatiques et, plus récemment, la sculpture classique. DJ et philologue, il pénètre les arcanes de notre histoire. Son œuvre a été présentée dans de nombreuses expositions personnelles et dans des manifestations d’art internationales telle que la biennale du Whitney en 2006, la 26e biennale de Sao Paulo, la 6e biennale d’Istanbul, Performa (2007 et 2015), trois biennales d’art de Venise (2001, 2005, 2007) et la biennale d’architecture de 2014.

Amphithéâtre d'honneur
Entrée libre

Galeries et galeristes d'art contemporain : un marché en recomposition.

Le marché de l’art, tant français qu’international, traverse actuellement une double recomposition. En termes d’acteurs, le temps n’est plus à l’apparition de nouvelles galeries. Les petites structures apparaissent souvent menacées, comme le sont également celles de taille moyenne, tandis que les galeries les plus importantes sont poussées à croître sans cesse pour résister à la vive concurrence qui les anime. Ces phénomènes de recomposition se prolongent au niveau spatial. Certains espaces apparaissent désormais condamnés, tandis que d’autres cherchent à émerger comme sites alternatifs ; mais c’est la concentration dans les districts emblématiques de l’art contemporain qui constitue l’évolution la plus forte. La conférence visera à illustrer ces tendances actuelles et à les analyser en prenant appui sur la scène des galeries d’art contemporain françaises et internationales.

Alain Quemin est professeur de sociologie de l’art à l’université Paris-8 / Institut d’Etudes Européennes et membre honoraire de l’Institut Universitaire de France. Ancien élève de l’Ecole Normale Supérieure de Cachan et de l’Institut d’Etudes Politiques de Paris, professeur agrégé de sciences sociales, il est docteur en sociologie de l’Ecole des Hautes Etudes en Sciences Sociales, habilité à diriger des recherches de l’université Paris-3 Sorbonne nouvelle. Il travaille sur la sociologie du marché de l’art ainsi que des institutions et professions artistiques, des publics, mais aussi sur la globalisation artistique, sur la notoriété et sur la sociologie des œuvres.

Ses ouvrages les plus récents sont Les stars de l’art contemporain. Notoriété et consécration artistiques dans les arts visuels, Paris éditions du CNRS, 2013, et Art et société : recherches récentes et regards croisés Brésil – France, OpenEdition Press, Marseille, 2016 (Ed., avec Glaucia Kruse Villas Boas).

Parallèlement, Alain Quemin a une activité de journaliste et critique d’art et publie régulièrement dans La Gazette Drouot, Artpress et Le Journal des Arts.

Amphithéâtre du Mûrier
entrée libre

Mona Chollet est essayiste et journaliste au Monde diplomatique, auteure de Beautés fatales et de Sorcières- La puissance invaincue des femmes.
Elle interroge la figure de la sorcière et se penche sur ces personnages emblématiques pour comprendre les persécutions qu’elles ont subies et comment s’exercent les mécanismes de la domination masculine. La sorcière est selon elle « celle qui parvient à trouver des réserves d’espoir au cœur du désespoir ».

Amphithéâtre d'honneur
Entrée libre

Le travail d’Elsa Sahal peut être résumé par son travail pluriel et expérimental de la céramique. Elle améliore sa technique pendant ses nombreuses résidences en France et à l’étranger pour aboutir au style qu’on lui connaît aujourd’hui. Le travail de la terre, matériau malléable qui peut prendre la forme que l’on souhaite lui donner, permet à Elsa Sahal de donner ce côté énigmatique à chacune de ses pièces. Ses sculptures semblent abstraites, mais se réfèrent à des éléments reconnaissables ; des végétaux, des minéraux, ou bien des corps humains. Des sculptures à mi-chemin entre plusieurs formes de corps, une faune et une flore anthropomorphiques à l’état sauvage.
Il se dégage de l’œuvre d'Elsa Sahal certaines constantes : la sensualité, l’érotisme, le charnel et l’organique. Ses sculptures semblent se mouvoir, comme des corps dansants, mélange d'humour et de critique. Elle revendique également une approche féministe dans son travail, en mettant en scène le sexe féminin, tant l’organe que le plaisir, jouant parfois de provocation toujours tempérée par une grande dimension poétique. Elsa Sahal contribue, par l’importance de son travail, au renouveau de la sculpture.

Elsa Sahal est représentée par la Galerie Papillon à Paris, Nathalie Karg à New York et The Pill Gallery à Istanbul.
Depuis 20 ans, elle expose en France et à l’étranger dans des institutions et Fondations (Fondation Ricard, CRAC Sète, Villa Arson à Nice, Fondation Maison Rouge, Museum of art and design à New York, National Museum for Women in the Arts à Washington…), participe à des foires et festivals (installation FIAC Hors les murs en 2012, Festival International d’Art de Toulouse en 2016). Elle participe à plusieurs conférences internationales sur la céramique et reçoit de nombreuses récompenses (Prix de la sculpture contemporaine de Fondation Francesco Messina en 2007, le prix MAIF en 2008, nominée pour le Prix Le Meurice pour l'Art Contemporain et Prix Georges Coulon pour la sculpture décerné par l'Institut de Franceen 2013).

Amphithéâtre du Mûrier
Entrée libre

©Sylvain Deleu

En tant qu'artiste, comment travailler (avec) le vivant pour mieux le connaître, en considérer les qualités, l'approcher dans sa diversité ?
À l'aune des défis écologiques, quelles nouvelles attentions porter à l'acte même de création dans ses rapports au faire, aux matériaux ?
Un art écologique serait-il avant tout un art conscient ?

Échanges d'idées à l'appui d'un corpus d'œuvres d'hier et d'aujourd'hui, avec les artistes Emilie Benoist et Perrine Lievens, Julie Genelin, coordinatrice du Cercle Chromatique, Marguerite Pilven, critique d'art et modératrice.

Amphithéâtre de morphologie
Entrée libre

Ulla von Brandenburg est une artiste allemande née en 1974 à Karlsruhe et installée à Paris depuis 2005. Après une formation en scénographie à Karlsruhe et une brève incursion dans le milieu théâtral, elle se forme à la Hochschule für Bildende Künste à Hambourg. Son œuvre se caractérise par la diversité des supports et des médiums (installations, films, aquarelles, peintures murales, collages, performances…) qui se répondent les uns aux autres et qu’elle met en scène en fonction des espaces d’exposition. Maîtrisant parfaitement les codes de la scénographie, nourrie de littérature, d’histoire des arts et d’architecture mais aussi de psychanalyse, de spiritisme et de magie, elle emprunte aussi bien aux rituels ésotériques et aux cérémonies populaires qu’aux mécanismes et aux codes du théâtre pour explorer la construction de nos structures sociales. Masques, costumes, décors et accessoires relevant de différentes traditions populaires lui permettent ainsi de transgresser symboliquement les normes et les hiérarchies en mêlant subtilement la réalité et les apparences dans des mises en scènes théâtrales.

Reconnu internationalement, son travail a fait l’objet de nombreuses expositions personnelles, comme récemment au MRAC à Sérignan (2019), à la Whitechapel Gallery à Londres (2018), au Musée Jenisch Vevey en Suisse (2018), au Kunstmuseum de Bonn (2018), au Perez Art Museum de Miami (2016) ou encore au Contemporary Art Museum de Saint Louis (2016). Ses œuvres font partie de collections prestigieuses comme celle de la Tate Modern à Londres, du Mamco à Genève, du Centre Pompidou à Paris ou du Mudam à Luxembourg. Son travail est représenté par la galerie Art:Concept à Paris, la galerie Pilar Corrias à Londres, la Produzentengalerie à Hambourg et la galerie Meyer Riegger à Karlsruhe.

Elle prépare actuellement une exposition personnelle qui sera présentée au Palais de Tokyo du 21 février au 17 mai 2020.

Yoann Gourmel est curator au Palais de Tokyo. Il mène également une pratique de commissaire indépendant, intervient régulièrement en écoles d’art et écrit pour différentes revues et publications. Au Palais de Tokyo, il a notamment organisé les expositions collectives : Encore un jour banane pour le poisson-rêve, 2018 et Sous le regard de machines pleines d’amour et de grâce, 2017 et les expositions personnelles de Julien Creuzet, 2019 ; Massinissa Selmani, 2018 et Taloi Havini, 2017. Il a coordonné l’équipe curatoriale du Palais de Tokyo pour la 15e Biennale d’Art Contemporain de Lyon, Là où les eaux se mêlent, 2019.

Amphithéâtre des Loges
Entrée libre

© Andres Lejona