Salle de séminaire, Bâtiment des Loges

Dans le cadre du séminaire Arp, Jonathan Pouthier et Enrico Camporesi proposent une série de conférences intitulées Screening rooms. Comment passe-t-on de l’espace de production à l’espace d’exposition ? Et que se produit-il dans cet intervalle ?

Ce cycle d’interventions se propose d’explorer la relation entre ces espaces sous l’angle privilégié de l’image en mouvement. Atelier, chambre noire, white cube et black box sont quelques-uns des sites qui feront l’objet d’une enquête aux périmètres élargis et à la chronologie éclatée. À travers une sélection de films d’artistes et expérimentaux, vidéos et archives, se dessine une histoire critique et non linéaire des lieux de l’image en mouvement et de leurs dispositifs (à la fois normatifs et techniques) – une histoire qui, comme toute entreprise de conquête et occupation d’espace, est et a été intimement politique. Enrico Camporesi et Jonathan Pouthier ont conçu et organisé plusieurs programmations film/vidéo au Centre Pompidou : Duchamp du film (2014), L’Exposition d’un film (avec M. Copeland, 2015 et 2016), Metacartoons (2016) et Pour une histoire de l’art projetée (2017).

Amphithéâtre du mûrier

Recontre Printah n°21

The three founders of Red Lebanese met at school when they were young, they actually are still quite young and have been publishing together since 2012 when they started studying art. They chose the name Red Lebanese after tasting the best hash from Lebanon. Their work is a great example of how the act of editing and publishing becomes an artistic practice for artists publishers, and how the pages of their publications therefore become a place for experimentation just like a studio space. It is not surprising then to hear that those three deserted their art school, preferring the murmurs of their printers to the ambiance of the collective studios of the École des Beaux-Arts. Pablo Jomaron, Thomas Brun and Quentin Leroy started publishing when they bought a Riso printer they found on Le Bon Coin, the French equivalent of Craig’s List. But instead of using the extraordinary characteristic of the Riso to make flashy colorful publications they only ever put black ink in their machine.

Having too much respect for the history of graffiti, they do not consider their tagging activities as part of their artistic practice, but more like a hobby. They don’t see any contradiction in filling their zines with photographs of their mischiefs though. Their publications somehow have a “lifestyle” aspect, showing pictures of their everyday life taken either by friends or by themselves. Indeed, Red Lebanese also issues mixtapes on good old audio cassettes. The result is a multiplicity of zines and books full of youthful energy and refreshing naiveté.

Amphithéâtre des Loges

« Depuis qu’il se fait passer pour peintre, Alain Séchas n’a jamais paru aussi proche du cinéma. Il dispose des taches, des blocs de couleur avec un sens de l’harmonie, et leur donne de l’élan et de la vitesse par le trait (de plus en plus libre et relâché) comme d’autres accordent des images et des sons. Ses cats restent son idiome, sa façon à lui de nous faire partager son joyeux effarement. Dessin et peinture travaillent ensemble et échangent parfois leur rôle, produisant l’équivalent de l’harmolodie d’Ornette Coleman, maître en liberté toutes catégories.

Ce qui importe avant tout pour lui, c’est la façon dont il peut continuer à creuser sa propre définition de l’art et déclarer son amour de tant de choses. Il est avant tout un expérimentateur, nourri des Free Radicals de Len Lye autant que du Grand intérieur rouge de Matisse. Les anecdotes, les gags sont une façon de détourner l’attention et de dire l’impossibilité d’une abstraction comme idée et projet. Séchas a toujours voulu à travers son art éclairer sa relation au monde et à l’art de son époque sans pouvoir s’empêcher de moquer un peu cette nécessaire prétention. Difficile de ne pas sentir dans son dos le souffle de Léger ou celui de De Kooning (par exemple) alors, pour alléger l’atmosphère et (se) procurer un peu d’air, une pieuvre (séchasesque ?) vient solliciter notre attention et deux ou trois coups de vaporisateur ou de browning nous libèrent de l’espace. »

Patrick Javault

À l’invitation de Daniel Schlier, artiste, professeur aux Beaux-Arts de Paris

Amphithéâtre des Loges

Les roches des montagnes, les cailloux qui bordent les sentiers, les pierres des maisons et des châteaux ne sont pas nés là où vous les trouvez. Ils viennent toujours d’ailleurs, d’un autre lieu, d’un autre temps, d’un autre environnement. Notre bonne vieille planète est en effet pourvue d’une mémoire prodigieuse, enregistrée dans ses paysages et ses roches. Ces dernières, si l’on sait les écouter attentivement, nous racontent les histoires d’une très grande variété de milieux dans lesquels elles ont grandi. Derrière le paysage actuel se cachent d’autres paysages disparus dans la nuit des temps. À notre imaginaire de les faire ressurgir. Cette conférence aimerait ouvrir une porte sur le monde de la géologie, qui élargit l’espace et le temps des humains. Elle ouvre aussi des pistes rassurantes sur les liens entre le local et le mondial, sur le passé et le présent.

Dans le magnifique paysage d’une petite vallée alpine, on peut admirer et suivre sur le terrain les contacts entre trois grands groupes de roches : celles nées en Eurasie, celles nées dans un océan, le tout couronné par des roches d’origine africaine, qui forment aujourd’hui de hauts sommets couverts de glaciers. Et oui, les montagnes sont les filles de la dérive des continents et des océans.

Michel Marthaler est géologue, professeur honoraire à l’Université de Lausanne. Il a découvert, lors de son doctorat, des restes de plancton fossile dans les Alpes valaisannes. Ses recherches l’ont conduit ensuite dans tout l’arc alpin. Il est passionné par la transmission du savoir géologique et ses liens avec la culture.

À l’invitation de Joan Ayrton, responsable du département des études aux Beaux-Arts de Paris

Amphithéâtre des Loges

La conférence d’Anna Samson se propose de suivre une chronologie des parutions de la revue critique du livre d’artiste Ligature, pour illustrer la nature et le rôle du livre d’artiste en général, qui implique plusieurs aspects de l’art conceptuel, minimal, d’avant-garde ainsi que de l’édition de création, tout en mettant l’accent sur le travail artistique comme processus d’invention. Elle s’appuiera pour cela sur l’oeuvre de Serge Chamchinov, docteur ès Lettres et artiste du livre, créateur de près de 300 titres de livres d’artiste depuis 1989 et rédacteur en chef de la revue Ligature. Sa recherche théorique et sa méthode artistique sont basées sur la théorie des formes et des couleurs de Vassily Kandinsky et de Paul Klee. Porteur d’une valeur esthétique et intellectuelle, le livre d’artiste est un terrain d’actions artistiques, et ce, tout en perpétuant la tradition de l’art du livre des époques précédentes. Les oeuvres de Serge Chamchinov sont exposées à la Bibliothèque des Beaux-Arts de Paris. Anna Samson est docteur ès Lettres, critique d’art dans le domaine du livre d’artiste contemporain, et directrice du Musée-Nomade Européen du Livre d’Artiste (Mela).

À l’invitation de Marc Petit, responsable de la bibliothèque des Beaux-Arts de Paris

Amphithéâtre du mûrier

Dans « Les Louvres and/or Kicking the Dead » présenté au 104 par le Festival d’Automne, Walid Raad, dans un dispositif original, guide les visiteurs à travers son exposition, mêlant dans son discours fiction et faits réels. De la Belgique au Louvre Abu Dhabi en passant par New York, l’artiste déroule une enquête personnelle où s’invite le fantastique, images et oeuvres à l’appui. Il dialoguera avec Kathy Alliou, cheffe du département scientifique et culturel des Beaux-Arts de Paris. Artiste libanais, Walid Raad, né en 1967 à Chbanieh, utilise un large éventail de techniques et de formats autour d’une réflexion sur les représentations possibles d’un pays en guerre.

En collaboration avec le Festival d’Automne

Amphithéâtre des Loges

Diplômée en histoire de l’art et en esthétique, Sarah Ihler-Meyer est critique d’art et commissaire d’exposition indépendante. Ses recherches portent sur les différents paradigmes artistiques qui jalonnent l’histoire de l’art, depuis la Renaissance à la période contemporaine en passant parla modernité artistique. Plus précisément, sa thèse de doctorat en esthétique (Paris-1) porte sur le retour de la narration dans l’art contemporain sous forme de compositions allégoriques (Le Retour de l’Ut pictura poesis. La tendance allégorique de l’art contemporain). Elle travaille également pour des galeries parisiennes (Dominique Fiat, Suzanne Tarasiève, De Roussan,…) et des revues spécialisées. Marianne Derrien est commissaire d’exposition indépendante, critique d’art et enseignante à l’École des Arts de la Sorbonne et à l’Université Paris 8, où elle organise un cycle de conférences sur les métiers du commissaire d’exposition. Elle a été chargée de mission pour les expositions à l’Académie de France à Rome – Villa Médicis et collabore régulièrement, en tant que commissaire invitée, avec des institutions françaises. Elle publie des textes critiques sur des artistes tant émergents que confirmés. Après avoir coordonné le programme Young Curators Invitational pour la Fondation d’entreprise Ricard pendant la Fiac, elle assure, depuis 2016, les visites « Meet Up » pour la revue Documents d’artistes (Paca) et la coordination générale du programme européen Curatorial pour le Cea, association française des commissaires d’exposition, avec le soutien de l’Institut français.

À l’invitation de Sylvie Fanchon, professeure aux Beaux-Arts de Paris

Amphithéâtre des Loges

Diplômée de l’Ens Louis Lumière et docteur en Arts Plastiques (Paris 1), Stéphanie Solinas, née en 1978, développe une oeuvre plurielle, à la croisée de la photographie, du livre et de l’installation. Sa pratique interroge l’opération même de « voir » et ses limites, poussant toujours plus avant une pensée de son medium. Son travail a fait l’objet d’expositions personnelles, notamment aux Rencontres d’Arles, au Musée Carré d’Art de Nîmes, au Fraenkel Lab (San Francisco), au Foam (Fotografie museum of Amsterdam), au Musée National Eugène-Delacroix, à La Maison Rouge, à l’église Saint-Eustache (Mois de la Photo) à Paris. Son oeuvre est présente dans des collections nationales et internationales (Cnap, Bibliothèque Nationale de France, Cnac Georges Pompidou/Bibliothèque Kandinsky, Frac Paca, Musée Nicéphore Niepce, Musée de L’Élysée à Lausanne, Pier 24 Photography à San Francisco), ainsi que dans plusieurs collections particulières. Stéphanie Solinas a publié Dominique Lambert (2010-2016), Sans titre (Monsieur Bertillon) (2012) et Déserteurs (2013).

À l’invitation de Guitemie Maldonado, professeure aux Beaux-Arts de Paris

A l’occasion de PhotoSaintGermain 2018

Amphithéâtre des Loges

L’écrivain suisse Robert Walser est connu pour avoir laissé à sa mort quantité de feuillets couverts d’une écriture minuscule au crayon longtemps tenu pour indéchiffrable, tapie dans les marges de papiers imprimés. Ces microgrammes sont la face légendaire, autrefois invisible et désormais exhibée, d’un rapport au langage et à l’écriture singulièrement propre à cet auteur. Documents illisibles, ils se sont mus, à la faveur d’un patient travail de déchiffrement, en autant de récits, scènes dramatiques ou poèmes accessibles au lecteur. Les lit-on à la manière d’un dessin ou d’un texte ?

La figure « Robert Walser » joue en effet un rôle majeur pour la créationartistique contemporaine. En relation avec l’exposition Robert Walser, Grosse kleine Welt Grand petit monde, ces rencontres pluridisciplinaires prendront pour point de départ la matérialité de l’écriture de Robert Walser pour s’interroger sur l’acte d’écrire lui-même et sur le tracé, comme un révélateur des liens entre l’écriture et le dessin.

Avec Lukas Bärfuss, écrivain, Bernhard Echte, éditeur, Marion Graf, traductrice, Lucas Marco Gisi, directeur des archives Robert Walser, Hugues de la Salle, metteur en scène, Frédéric Paul, conservateur, François Piron, commissaire d’exposition indépendant, Hans Rudi Reust, professeur d’histoire de l’art, Pierre Senges, écrivain, Didier Semin, historien de l’art, Reto Sorg, directeur du Robert Walser-Zentrum, Peter Utz, professeur de littérature à Lausanne, Richard Venlet, artiste. Comité scientifique : Mandana Covindassamy, Béatrice Joyeux-Prunel, Ens, Paris Psl et Marie José Burki, Beaux-Arts de Paris.

Ces rencontres ont été réalisées dans le cadre de l’Iris Création, Cognition, Société financée par l’Idex portant la référence Anr-10-Idex-0001-02-Psl, du laboratoire Sacre, de l’Ens et du laboratoire d’excellence Transfer (programme d’investissement d’avenir Anr-10-Idex-0001-02-Psl et Anr-10-Labx-0099).

Programme

9h30 Accueil

10h00 Ouverture par Mandana Covindassamy, Marie José Burki et Béatrice Joyeux-Prunel

10h15 Peter Utz “Secret et mystère des microgrammes de Robert Walser”

10h45 Table ronde 1 :

Lisible-illisible / transcription-traduction avec Bernhard Echte, Lucas Marco Gisi, Marion Graf, modération : Mandana Covindassamy et Béatrice Joyeux-Prunel

12h30 Pause déjeuner

14h30 Table Ronde 2 :

L’écriture comme pratique, l’écriture comme dessin, le microgramme comme image avec Lukas Bärfuss, Frédéric Paul, Richard Venlet modération Marie José Burki et Mandana Covindassamy

16h00 Table Ronde 3:

Walser et la création contemporaine (réflexions autour de l’intérêt que portent les créateurs à l’oeuvre et à l’homme ) avec François Piron, Hans Rudolf Reust, Hugues de la Salle, Reto Sorg modération : Marie José Burki et Béatrice Joyeux-Prunel

17h30 Pause

18h00 Lecture de Pierre Senges

Amphithéâtre des Loges

Béla Tarr dit avoir été « envenimé par la caméra ». Un poison qui lui a permis de se forger un langage propre, capable de traduire une sensibilité au monde extraordinairement singulière. Il y a un style, le noir et blanc, qu’il qualifie plutôt d’« échelle de gris », « bien plus vif et coloré que ces couleurs merdiques qui ressemblent à du plastique et qu’on retrouve dans tous les films actuels ». Et aussi des personnages décalés, des plans-séquences, longs et d’abondants mouvements de caméras, une durée hors norme (7 h 30 pour Le Tango de Satan). À une vision pessimiste du monde, Béla Tarr oppose une liberté et un radicalisme dans l’art qui se traduit pour le spectateur par une expérience véritablement inédite, qu’on pourrait qualifier de conscience aiguë de la condition humaine. Béla Tarr est né en Hongrie en 1955, sous le régime communiste. D’abord ouvrier vivant de petits métiers, il débute au cinéma et réalise Le Nid familial (1979), dont le succès lui ouvre les portes de l’École supérieure de cinéma et de théâtre de Budapest. En 1980, il fonde le studio indépendant Tàrsulàs, que les autorités hongroises fermeront peu après. Cette même année, la présentation de Damnation au Festival de Berlin, sans l’aval des autorités, le conduit à l’exil. En 1985, il rencontre le romancier Laszlo Krasznahorkai, qui devient son scénariste. Les Harmonies Werckmeister (2000), premier film distribué en France, qui signe sa consécration. Après L’Homme de Londres (2007), en compétition à Cannes, Le Cheval de Turin (2011) est présenté à la Berlinale, où il remporte un Ours d’argent. Entre décembre 2011 et janvier 2012, le Centre Georges Pompidou consacre une rétrospective intégrale à ses films.

Amphithéâtre du mûrier

László Moholy-Nagy (1895-1946) est un peintre, sculpteur et photographe hongrois, chef de file de la « Nouvelle Photographie » avec Rodtchenko. Passionné par les nouvelles techniques, il s’intéresse particulièrement aux photogrammes, qu’il réalise à la même époque que Man Ray. Son intérêt pour la typographie, la photographie et le cinéma en font un membre pivot de l’école du Bauhaus, où il est invité à diriger le cours préliminaire et l’atelier du métal, tout en jouant un rôle important dans la publication des « Bauhausbücher » dont il assure la mise en page. Si László Moholy- Nagy perdure comme un artiste de production multimédia, le photogramme demeura toujours au coeur de ses préoccupations et de ses recherches. Avec lui, la photographie s’est libérée des contraintes de la représentation, comme la peinture avec Malevitch, pour être ramenée à son essence d’« écriture de la lumière ». Son oeuvre d’avant-garde, parmi les plus importantes de son époque, est présente dans les collections des principaux musées du monde entier. Arnauld Pierre est historien de l’art, professeur à Sorbonne Université. Spécialiste de Francis Picabia mais aussi de l’abstraction et des avant-gardes historiques, il a publié de nombreux textes et essais sur ces sujets. Commissaire d’exposition, il a récemment organisé la rétroprospective Nicolas Schöffer au LAM de Villeneuve d’Ascq et est le commissaire avec Michel Gauthier, de la rétrospective « Vasarely. Le partage des formes » qui ouvrira au Centre Pompidou en février 2019.

En collaboration avec le festival « Un week-end à l’Est »

Amphithéâtre du mûrier

Réunissant son film le plus récent, Vivian’s Garden (2017), l’un des plus beaux moments de la dernière Documenta et un film plus ancien intitulé Carlo’s Vision (2011), ce programme consacré à Rosalind Nashashibi témoigne de sa capacité à saisir ce qui fait l’essence et l’émotion des relations humaines. Dans le premier, nous pénétrons dans l’intimité de l’artiste Vivian Suter et de sa mère Elisabeth Wild, deux émigrées européennes installées au Guatemala : une exploration du matriarcat et du post-colonial par le biais d’un touchant huis-clos familial. Inspiré d’un roman inachevé de Pier Paolo Pasolini, le second film entremêle documentaire et fiction, sites réels et fantasmes pour livrer un portrait subjectif de Rome. Née en 1973 à Croydon (Grande-Bretagne), Rosalind Nashashibi vit à Londres. Peintre et cinéaste, elle élabore, depuis le milieu des années 1990, une oeuvre centrée sur l’observation et la mise en scène des relations humaines et de la vie quotidienne, sources d’affects ambigus. En 2017, elle participe à la Documenta 14 et est nommée au Turner Prize. Elle a représenté l’Écosse à la 52e Biennale de Venise. Elle collabore régulièrement avec l’artiste Lucy Skaer. Rosalind Nashashibi : Vivian’s Garden, 2017 (16 mm transféré en Hd, 30 min), Carlo’s Vision, 2011 (16 mm transféré en Hd, 11 min). Courtoisie de l’artiste & Lux. Séance précédée d’une présentation par le collectif Caro Sposo.

Amphithéâtre des Loges

Dans le cadre du cycle Géologie & géopolitique, une Carte blanche est confiée à Benoît Hické, programmateur de films (Muséum national d’Histoire naturelle, Gaîté Lyrique) et critique. Il présentera deux films : Alpes parcourt l’ordonnance de la végétation sur le versant d’une montagne alpine, de l’étage collinéen à 500 mètres d’altitude à l’étage nivéal, au-delà de 3000 mètres. Chaque étage de végétation est filmé à l’aide d’une technologie différente, usant des cinq plus grands formats vidéo ayant existé jusqu’à ce jour : Hd, Dv, Digital8, Hi8, Vhs. Alpes 500-3 000 m / 2010-1970 de Gaëlle Boucand (France, 2011, 17 min) M. Nishida est entomologiste. En expédition scientifique sur l’île de Yakushima, île aux montagnes où s’accroche une brume qui semble éternelle, il est notre passeur pour découvrir les croyances spirituelles qui accompagnent la relation à la nature des habitants de l’île. Arpenteurs de ces montagnes recouvertes de forêts luxuriantes, ces derniers nous font rencontrer les divinités, esprits farceurs et paysages mouvants, avec qui ils cohabitent, en visitant un temple taoïste et son jardin zen ou un autel dans son écrin feutré de mousse en sous-bois. Dans le calme de la forêt, parmi les cèdres centenaires, c’est la pensée d’Augustin Berque, philosophe et géographe qui nous éclaire dans notre réflexion sur les liens étroits entre nature et culture, sur la relation d’une société à son environnement.

Séance en présence du réalisateur et d’Augustin Berque (sous réserve).

Milieu de Damien Faure (France, 2015, 54 min)

À l’invitation de Joan Ayrton, responsable du département des études aux Beaux-Arts de Paris

Amphithéâtre des Loges

Dans le cadre du cycle Géologie & géopolitique, une Carte blanche est confiée à Benoît Hické, programmateur de films (Muséum national d’Histoire naturelle, Gaîté Lyrique) et critique. Il présentera deux films : Alpes parcourt l’ordonnance de la végétation sur le versant d’une montagne alpine, de l’étage collinéen à 500 mètres d’altitude à l’étage nivéal, au-delà de 3000 mètres. Chaque étage de végétation est filmé à l’aide d’une technologie différente, usant des cinq plus grands formats vidéo ayant existé jusqu’à ce jour : Hd, Dv, Digital8, Hi8, Vhs. Alpes 500-3 000 m / 2010-1970 de Gaëlle Boucand (France, 2011, 17 min) M. Nishida est entomologiste. En expédition scientifique sur l’île de Yakushima, île aux montagnes où s’accroche une brume qui semble éternelle, il est notre passeur pour découvrir les croyances spirituelles qui accompagnent la relation à la nature des habitants de l’île. Arpenteurs de ces montagnes recouvertes de forêts luxuriantes, ces derniers nous font rencontrer les divinités, esprits farceurs et paysages mouvants, avec qui ils cohabitent, en visitant un temple taoïste et son jardin zen ou un autel dans son écrin feutré de mousse en sous-bois. Dans le calme de la forêt, parmi les cèdres centenaires, c’est la pensée d’Augustin Berque, philosophe et géographe qui nous éclaire dans notre réflexion sur les liens étroits entre nature et culture, sur la relation d’une société à son environnement.

Séance en présence du réalisateur et d’Augustin Berque (sous réserve).

Milieu de Damien Faure (France, 2015, 54 min)

À l’invitation de Joan Ayrton, responsable du département des études aux Beaux-Arts de Paris