| Beaux-arts de Paris

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La Volonté 93

Prix d’aide au projet collectif Dream Big and Grow Fast - Fondation de France

Vue de l’exposition « Both Ends Burning », mai 2021. De gauche à droite, les œuvres de Mario Picardo, Séquoia Scavullo et Alexander Raczka.

Installé à Saint-Ouen depuis 2017, le collectif propose une douzaine d’expositions par an qui diffuse le travail de nombreux artistes et commissaires. La friche apparaît pour La Volonté 93 comme un espace raisonnable et salutaire, afin qu’artistes et néophytes passionnés se rencontrent, cherchent, travaillent et vivent ensemble. Cette aventure a besoin aujourd’hui de soutien pour conforter son travail de recherche et son audience.

Located in Saint-Ouen since 2017, the collective offers a dozen of exhibitions per year, showing the work of many artists and curators. For La Volonté 93, the wasteland is a reasonable and healthy space, that allows artists and passionate neophytes to meet, research, work and live together. Today, this adventure needs support to consolidate its research work.

Christian Boltanski, immense artiste et professeur aimé des Beaux-Arts de Paris : « Je disais à mes élèves : si quelqu’un vous dit : T’es con, t’es moche, mais ta dernière œuvre est belle. Embrasse-le. Le reste n’a aucune importance. »

Un ami auquel l’Ecole doit beaucoup. Hommage

Christian Boltanski (1944 - 14 juillet 2021).

Reconnu comme l’un des principaux artistes contemporains français et sur la scène internationale, Christian Boltanski a été professeur aux Beaux-Arts de Paris durant 23 ans de 1986 à 2009 .

dates

Du Vendredi 16 juillet 2021 au Samedi 17 juillet 2021

heure

13H00 - 19H00

lieu

Palais des Beaux-Arts

adresse

13 quai Malaquais, Paris 6e

ENTRÉE LIBRE

The Inner Show, une proposition de Big Dumb Object qui se déroulera vendredi 16 et samedi 17 juillet de 13h à 19h.

Dans le cadre de l'exposition CRÛ du Théâtre des Expostions Acte 3

The Inner Show - Big Dumb Object

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Arnaud Adami

Prix du Portrait Bertrand de Demandolx-Dedons

Arnaud Adami en 3e dans l’atelier Childress, est lauréat du prix du Portrait Bertrand de Demandolx-Dedons

« Arnaud nomme le prolétariat contemporain : celles et ceux que l’on croise quotidiennement sans y prêter attention car on ne les regarde pas. Un hommage à ces travailleurs de l’ombre, avec qui il tisse par sa peinture attentive, précise et puissante une relation d’intimité. Alors que les scènes relèvent d’un contexte urbain très actuel, les positions des protagonistes sont quant à elles inspirées des grands thèmes de l’histoire de l’art, comme sa première série issue des portraits des rois de France, ou encore comme la représentation d’objets de notre monde moderne tels sacs à dos ou casques présentés comme des natures mortes.En ce moment « le focus » souhaité par l’artiste, selon ses propres mots, est celui de la chute. Celle des livreurs à vélo employé par Deliveroo ou UberEats. Thème récurrent de l’histoire de l’art notamment via la chute du personnage d’Icare mort en volant trop près du soleil, illustrée par Pieter Brueghel l’Ancien au XVIe siècle et plus récemment par Bas Jan Ader ou Yves Klein.Cette métaphore est plus qu’une invitation à la réflexion sur les valeurs de notre société en perdition. Elle ressemble plutôt à une humble incitation à une plus grande considération de ces invisibles ».

Marianne Dollo

Arnaud Adami in 3rd grade in the Childress workshop, is the winner of the Bertrand de Demandolx-Dedons Portrait Prize

"Arnaud names the contemporary proletariat: those whom we pass every day without paying attention to them because we don't look at them. A tribute to these shadow workers, with whom he weaves an intimate relationship through his attentive, precise and powerful painting. While the scenes are from a very current urban context, the positions of the protagonists are inspired by the great themes of art history, like his first series of portraits of the kings of France, or like the representation of objects of our modern world such as backpacks or helmets presented as still lifes.At this time "the focus" desired by the artist, according to his own words, is that of the fall. The one of the bike delivery men employed by Deliveroo or UberEats. A recurring theme in the history of art, notably via the fall of the character of Icarus who died flying too close to the sun, illustrated by Pieter Brueghel the Elder in the 16th century and more recently by Bas Jan Ader or Yves Klein. This metaphor is more than an invitation to reflect on the values of our society in perdition. It looks rather like a humble incitement to a greater consideration of these invisible ones ".

Marianne Dollo

Accident, 2020, Huile sur toile, 100 x 81 cm — Arnaud Adami

Prix du Portrait Bertrand de Demandolx-Dedons

Arnaud Adami en 3e dans l’atelier Childress, est lauréat du prix du Portrait Bertrand de Demandolx-Dedons

« Arnaud nomme le prolétariat contemporain : celles et ceux que l’on croise quotidiennement sans y prêter attention car on ne les regarde pas. Un hommage à ces travailleurs de l’ombre, avec qui il tisse par sa peinture attentive, précise et puissante une relation d’intimité. Alors que les scènes relèvent d’un contexte urbain très actuel, les positions des protagonistes sont quant à elles inspirées des grands thèmes de l’histoire de l’art, comme sa première série issue des portraits des rois de France, ou encore comme la représentation d’objets de notre monde moderne tels sacs à dos ou casques présentés comme des natures mortes.En ce moment « le focus » souhaité par l’artiste, selon ses propres mots, est celui de la chute. Celle des livreurs à vélo employé par Deliveroo ou UberEats. Thème récurrent de l’histoire de l’art notamment via la chute du personnage d’Icare mort en volant trop près du soleil, illustrée par Pieter Brueghel l’Ancien au XVIe siècle et plus récemment par Bas Jan Ader ou Yves Klein.Cette métaphore est plus qu’une invitation à la réflexion sur les valeurs de notre société en perdition. Elle ressemble plutôt à une humble incitation à une plus grande considération de ces invisibles ».

Marianne Dollo

Arnaud Adami in 3rd grade in the Childress workshop, is the winner of the Bertrand de Demandolx-Dedons Portrait Prize

"Arnaud names the contemporary proletariat: those whom we pass every day without paying attention to them because we don't look at them. A tribute to these shadow workers, with whom he weaves an intimate relationship through his attentive, precise and powerful painting. While the scenes are from a very current urban context, the positions of the protagonists are inspired by the great themes of art history, like his first series of portraits of the kings of France, or like the representation of objects of our modern world such as backpacks or helmets presented as still lifes.At this time "the focus" desired by the artist, according to his own words, is that of the fall. The one of the bike delivery men employed by Deliveroo or UberEats. A recurring theme in the history of art, notably via the fall of the character of Icarus who died flying too close to the sun, illustrated by Pieter Brueghel the Elder in the 16th century and more recently by Bas Jan Ader or Yves Klein. This metaphor is more than an invitation to reflect on the values of our society in perdition. It looks rather like a humble incitement to a greater consideration of these invisible ones ".

Marianne Dollo

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Barbana Bojadzi

Prix Khalil de Chazournes

Barbana Bojadzi, lauréate du prix Khalil de Chazournes, est en 5e année dans l’atelier Figarella.

« Ce sont des recherches sur les empreintes du mouvement, de traces, qui résultent des gestes du corps, natifs d'une préhension immédiate que l'organisme a de son milieu. Mes outils ressemblent autant à des armes qu’à des jouets, ils sont tachés, vivants. Ils se greffent à moi et me proposent, par leur forme et fonctions propres, un geste unique à chacun d'eux. Ils deviennent organes, et correspondent à une dévoration particulière du monde. Cette métamorphose advient et les gestes, ajoutés, soutenus ou recouverts, s’amplifient dans l’espace. Par l’introduction de scènes atmosphériques, de fragments de ciels, de formes photographiques, et de symboles, les différents corpus de matières et de signes entrent en collision : la confrontation prend une tournure dialectique. De cette relation conflictuelle entre gestes et matières résulte une blessure. La bataille finit par révéler ce qu’il y a de nécessaire en elles, et de cette lutte naît l’équilibre. Une accrétion de réseaux, logée dans l’horizon, constitue un noyau pictural, une « Gemeinwesen » de signes. Comme dans un système nerveux, des pluies d’informations, de symboles, de mouvements électriques sont positionnés, et se dispersent dans le désordre organique du monde. »

Barbana Bojadzi, winner of the Khalil de Chazournes prize, is in her 5th year in the Figarella studio.

"These are researches on the prints of movement, of traces, which result from the gestures of the body, born of an immediate grasp that the organism has of its environment. My tools look as much like weapons as toys, they are stained, alive. They graft themselves to me and propose to me, by their own form and functions, a gesture unique to each of them. They become organs, and correspond to a particular devouring of the world. This metamorphosis occurs and the gestures, added, supported or covered, are amplified in the space. By the introduction of atmospheric scenes, fragments of skies, photographic forms, and symbols, the different bodies of materials and signs collide: the confrontation takes a dialectical turn. From this conflicting relationship between gestures and materials results a wound. The battle ends up revealing what is necessary in them, and from this struggle is born the balance. An accretion of networks, lodged in the horizon, constitutes a pictorial core, a "Gemeinwesen" of signs. As in a nervous system, showers of information, symbols, electrical movements are positioned, and disperse in the organic disorder of the world."

Es was eins Bauren Töchterlein (phase I), 2021, diverses techniques sur plaque, environ 120 x 100 cm — Barbana Bojadzi

Prix Khalil de Chazournes

Barbana Bojadzi, lauréate du prix Khalil de Chazournes, est en 5e année dans l’atelier Figarella.

« Ce sont des recherches sur les empreintes du mouvement, de traces, qui résultent des gestes du corps, natifs d'une préhension immédiate que l'organisme a de son milieu. Mes outils ressemblent autant à des armes qu’à des jouets, ils sont tachés, vivants. Ils se greffent à moi et me proposent, par leur forme et fonctions propres, un geste unique à chacun d'eux. Ils deviennent organes, et correspondent à une dévoration particulière du monde. Cette métamorphose advient et les gestes, ajoutés, soutenus ou recouverts, s’amplifient dans l’espace. Par l’introduction de scènes atmosphériques, de fragments de ciels, de formes photographiques, et de symboles, les différents corpus de matières et de signes entrent en collision : la confrontation prend une tournure dialectique. De cette relation conflictuelle entre gestes et matières résulte une blessure. La bataille finit par révéler ce qu’il y a de nécessaire en elles, et de cette lutte naît l’équilibre. Une accrétion de réseaux, logée dans l’horizon, constitue un noyau pictural, une « Gemeinwesen » de signes. Comme dans un système nerveux, des pluies d’informations, de symboles, de mouvements électriques sont positionnés, et se dispersent dans le désordre organique du monde. »

Barbana Bojadzi, winner of the Khalil de Chazournes prize, is in her 5th year in the Figarella studio.

"These are researches on the prints of movement, of traces, which result from the gestures of the body, born of an immediate grasp that the organism has of its environment. My tools look as much like weapons as toys, they are stained, alive. They graft themselves to me and propose to me, by their own form and functions, a gesture unique to each of them. They become organs, and correspond to a particular devouring of the world. This metamorphosis occurs and the gestures, added, supported or covered, are amplified in the space. By the introduction of atmospheric scenes, fragments of skies, photographic forms, and symbols, the different bodies of materials and signs collide: the confrontation takes a dialectical turn. From this conflicting relationship between gestures and materials results a wound. The battle ends up revealing what is necessary in them, and from this struggle is born the balance. An accretion of networks, lodged in the horizon, constitutes a pictorial core, a "Gemeinwesen" of signs. As in a nervous system, showers of information, symbols, electrical movements are positioned, and disperse in the organic disorder of the world."

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Max Coulon

Prix des Amis

Max Coulon, lauréat du prix des Amis ex aequo, est en 5e année dans l’atelier Rochette

« J'ai commencé à développer ma pratique de la sculpture figurative par le bois, qui est, à mon avis, dans sa constitution, avec ses veines et ses nœuds, son sens et sa complexité, un matériau analogue au corps des humains et des animaux.
Cheval, groupe de rock, pièce de théâtre, sept nains, crucifixion, gargouilles, colonne, requin, visite de tombe, histoire d’amour : c’est par le jeu que j’avance vers les sujets qui m’entraînent. Les sujets sont des mots autour desquels je tourne.
La destruction d’une forme, la réparation d’une cassure, la perte et la reprise du contrôle sur la matière sont pour moi des étapes de travail fondamentales. Le bois me fait penser à de la chair, le béton à de la pierre.
Les objets que je découvre et collectionne peuvent tout aussi bien être le point de départ d’une sculpture que son dénouement.
Je travaille avec une certaine économie de moyen, de temps, des sculptures ludiques, qui partagent l’aventure de leur fabrication. »

Max Coulon, winner of the Prix des Amis ex aequo, is in his 5th year at the Rochette workshop

"I began to develop my figurative sculpture practice through wood, which I believe is, in its constitution, with its veins and knots, its meaning and complexity, a material analogous to the bodies of humans and animals.
Horse, rock band, play, seven dwarfs, crucifixion, gargoyles, column, shark, tomb visit, love story: it is through play that I move towards the subjects that draw me. The subjects are words around which I turn.
The destruction of a form, the repair of a break, the loss and regaining of control over the material are fundamental stages of my work. Wood reminds me of flesh, concrete of stone.
The objects that I discover and collect can just as easily be the starting point of a sculpture as its conclusion.
I work with a certain economy of means, of time, playful sculptures, which share the adventure of their making."

Zwerk beton, pigment 60x30cm (x7), 2020 — Max Coulon

Prix des Amis

Max Coulon, lauréat du prix des Amis ex aequo, est en 5e année dans l’atelier Rochette

« J'ai commencé à développer ma pratique de la sculpture figurative par le bois, qui est, à mon avis, dans sa constitution, avec ses veines et ses nœuds, son sens et sa complexité, un matériau analogue au corps des humains et des animaux.
Cheval, groupe de rock, pièce de théâtre, sept nains, crucifixion, gargouilles, colonne, requin, visite de tombe, histoire d’amour : c’est par le jeu que j’avance vers les sujets qui m’entraînent. Les sujets sont des mots autour desquels je tourne.
La destruction d’une forme, la réparation d’une cassure, la perte et la reprise du contrôle sur la matière sont pour moi des étapes de travail fondamentales. Le bois me fait penser à de la chair, le béton à de la pierre.
Les objets que je découvre et collectionne peuvent tout aussi bien être le point de départ d’une sculpture que son dénouement.
Je travaille avec une certaine économie de moyen, de temps, des sculptures ludiques, qui partagent l’aventure de leur fabrication. »

Max Coulon, winner of the Prix des Amis ex aequo, is in his 5th year at the Rochette workshop

"I began to develop my figurative sculpture practice through wood, which I believe is, in its constitution, with its veins and knots, its meaning and complexity, a material analogous to the bodies of humans and animals.
Horse, rock band, play, seven dwarfs, crucifixion, gargoyles, column, shark, tomb visit, love story: it is through play that I move towards the subjects that draw me. The subjects are words around which I turn.
The destruction of a form, the repair of a break, the loss and regaining of control over the material are fundamental stages of my work. Wood reminds me of flesh, concrete of stone.
The objects that I discover and collect can just as easily be the starting point of a sculpture as its conclusion.
I work with a certain economy of means, of time, playful sculptures, which share the adventure of their making."

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Juliette Green

Prix des Amis

Juliette Green, lauréate du prix des Amis ex aequo, est en 5e année dans l’atelier Delprat

" Pendant mon adolescence, j’ai mis au point un système d’écriture pour prendre des notes à l’école. Les textes y rencontraient des dessins, des pictogrammes, des cartes, des plans d’architecture, des personnages et des bulles de bande dessinée. Fidèle à cette méthode, je m’en sers désormais pour raconter des histoires que j’invente de toutes pièces et qui ont souvent pour point de départ des questions existentielles : qui a fabriqué les objets qui nous entourent ? Qu’est-ce qui fait naître les vocations ? Comment la vision qu’on a de notre avenir évolue-t-elle au fil de notre vie ? Comment les symboles transcendent-ils les cultures ? Etc. Le ton de mes récits est souvent léger et empreint d’humour. "

Juliette Green, a Friends' Award winner, is in her 5th year in the Delprat workshop

"As a teenager, I developed a writing system for taking notes in school. The text met drawings, pictograms, maps, architectural plans, characters and comic bubbles. Faithful to this method, I now use it to tell stories that I invent from scratch and that often have as a starting point existential questions: who made the objects that surround us? What gives rise to vocations? How does the vision we have of our future evolve throughout our lives? How do symbols transcend cultures? Etc. The tone of my stories is often light and humorous."

Vue de l'exposition CRUSH aux Beaux-Arts de Paris du 3 au 14 février 2021. Copyright Juliette Green — Juliette Green

Prix des Amis

Juliette Green, lauréate du prix des Amis ex aequo, est en 5e année dans l’atelier Delprat

" Pendant mon adolescence, j’ai mis au point un système d’écriture pour prendre des notes à l’école. Les textes y rencontraient des dessins, des pictogrammes, des cartes, des plans d’architecture, des personnages et des bulles de bande dessinée. Fidèle à cette méthode, je m’en sers désormais pour raconter des histoires que j’invente de toutes pièces et qui ont souvent pour point de départ des questions existentielles : qui a fabriqué les objets qui nous entourent ? Qu’est-ce qui fait naître les vocations ? Comment la vision qu’on a de notre avenir évolue-t-elle au fil de notre vie ? Comment les symboles transcendent-ils les cultures ? Etc. Le ton de mes récits est souvent léger et empreint d’humour. "

Juliette Green, a Friends' Award winner, is in her 5th year in the Delprat workshop

"As a teenager, I developed a writing system for taking notes in school. The text met drawings, pictograms, maps, architectural plans, characters and comic bubbles. Faithful to this method, I now use it to tell stories that I invent from scratch and that often have as a starting point existential questions: who made the objects that surround us? What gives rise to vocations? How does the vision we have of our future evolve throughout our lives? How do symbols transcend cultures? Etc. The tone of my stories is often light and humorous."

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Elise Nguyen Quoc

Prix Thaddaeus Ropac

Elise Nguyen Quoc, lauréate du prix Thaddaeus Ropac, st en 3e année dans les ateliers Calais et Figarella.

« Avec un rapport à l’automatisme, à la répétition et suivant ce même modèle qui structure nos vies et psychismes, les motifs que je représente viennent comme créer une double peau, une image méliorative de soi-même. La différence, l’écart que je cherche, se trouve dans l’acte-même de regarder, ce moment de crise où ce que notre corps perçoit, n’est pas ce qui est montré. Dans une relation quasi d’auto-exploitation, à l’aide d’un outil commun, le stylo à bille. La ligne, le fil, outil d’oppression sous le patriarcat, est ici tissé comme une forme de résistance, où, mobilisant tout mon corps au travail, chaque geste contient une intention inhérente à sa réalisation. Il y a l’image de ce que je montre et l’image du faire, invoquant une histoire féminine, domestique, d’un travail chronophage, ici, se voulant plus brutal, imposant. Mes peintures sont une tentative de rendre justice à ces lignes qui ne disent rien, à ces infra-vies qu’on ne regarde pas, la continuité d’un témoignage de l’effort passé sous silence. »

Elise Nguyen Quoc, winner of the Thaddaeus Ropac Prize, is in her third year at the Calais and Figarella studios.

"With a relationship to automatism, to repetition and following the same pattern that structures our lives and psyches, the motifs I represent come to create a double skin, a meliorative image of oneself. The difference, the gap that I am looking for, is found in the act of looking itself, this moment of crisis where what our body perceives, is not what is shown. In an almost self-exploiting relationship, using a common tool, the ballpoint pen. The line, the thread, a tool of oppression under the patriarchy, is here woven as a form of resistance, where, mobilizing my whole body at work, each gesture contains an inherent intention to its realization. There is the image of what I show and the image of doing, invoking a feminine, domestic history of a time-consuming work, here, wanting to be more brutal, imposing. My paintings are an attempt to do justice to these lines that say nothing, to these infra-vies that we do not look at, the continuity of a testimony of the effort passed under silence."

« 20 » stylo à bille sur bois, 3 panneaux de 250 x 122 x 3 cm, 2021 — Elise Nguyen Quoc

Prix Thaddaeus Ropac

Elise Nguyen Quoc, lauréate du prix Thaddaeus Ropac, st en 3e année dans les ateliers Calais et Figarella.

« Avec un rapport à l’automatisme, à la répétition et suivant ce même modèle qui structure nos vies et psychismes, les motifs que je représente viennent comme créer une double peau, une image méliorative de soi-même. La différence, l’écart que je cherche, se trouve dans l’acte-même de regarder, ce moment de crise où ce que notre corps perçoit, n’est pas ce qui est montré. Dans une relation quasi d’auto-exploitation, à l’aide d’un outil commun, le stylo à bille. La ligne, le fil, outil d’oppression sous le patriarcat, est ici tissé comme une forme de résistance, où, mobilisant tout mon corps au travail, chaque geste contient une intention inhérente à sa réalisation. Il y a l’image de ce que je montre et l’image du faire, invoquant une histoire féminine, domestique, d’un travail chronophage, ici, se voulant plus brutal, imposant. Mes peintures sont une tentative de rendre justice à ces lignes qui ne disent rien, à ces infra-vies qu’on ne regarde pas, la continuité d’un témoignage de l’effort passé sous silence. »

Elise Nguyen Quoc, winner of the Thaddaeus Ropac Prize, is in her third year at the Calais and Figarella studios.

"With a relationship to automatism, to repetition and following the same pattern that structures our lives and psyches, the motifs I represent come to create a double skin, a meliorative image of oneself. The difference, the gap that I am looking for, is found in the act of looking itself, this moment of crisis where what our body perceives, is not what is shown. In an almost self-exploiting relationship, using a common tool, the ballpoint pen. The line, the thread, a tool of oppression under the patriarchy, is here woven as a form of resistance, where, mobilizing my whole body at work, each gesture contains an inherent intention to its realization. There is the image of what I show and the image of doing, invoking a feminine, domestic history of a time-consuming work, here, wanting to be more brutal, imposing. My paintings are an attempt to do justice to these lines that say nothing, to these infra-vies that we do not look at, the continuity of a testimony of the effort passed under silence."

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Emma Passera

Prix Weil

Emma Passera, lauréate du prix Weil, est en 5e année dans l’atelier Paris.

« Ma pratique artistique traite de la mise en image et en objets du réel à travers différents principes de représentation. Je rends compte des enjeux contemporains de notre société par l’étude de certains territoires et pratiques qui reflètent les violences et les désordres mondiaux actuels. Ma génération grandit dans des villes où des milliers de personnes dorment sous des tentes et dans les rues. Partout dans le monde, surgissent de nouvelles frontières, et de nouvelles techniques de traçages d’une certaine partie de la population dont le corps est devenu lui-même une barrière. En découle la différenciation entre plusieurs parties de la population mondiale : ceux qui peuvent circuler librement/ceux dont les déplacements sont contrôlés, migrants économiques, climatiques, réfugiés de guerre... Témoin de ces bouleversements, je suis partie en 2016 faire mon premier projet photographique Z.I. des Dunes à la Jungle de Calais qui est un territoire symptomatique de l’institutionnalisation des frontières. »

Emma Passera, winner of the Weil Prize, is in her 5th year in the Paris studio.

"My artistic practice deals with putting reality into images and objects through different principles of representation. I reflect contemporary issues in our society through the study of certain territories and practices that reflect current global violence and disorder. My generation grew up in cities where thousands of people sleep in tents and on the streets. All over the world, new borders are emerging, and new techniques of tracing a certain part of the population whose body has itself become a barrier. The result is the differentiation between several parts of the world's population: those who can move freely/those whose movements are controlled, economic migrants, climatic migrants, war refugees... Witnessing these upheavals, I left in 2016 to make my first photographic project Z.I. des Dunes in the Calais Jungle, which is a territory symptomatic of the institutionalization of borders."

Tribute to Farman 74, 2020, moulage en aluminium et techniques mixtes, dimensions variables — Emma Passera

Prix Weil

Emma Passera, lauréate du prix Weil, est en 5e année dans l’atelier Paris.

« Ma pratique artistique traite de la mise en image et en objets du réel à travers différents principes de représentation. Je rends compte des enjeux contemporains de notre société par l’étude de certains territoires et pratiques qui reflètent les violences et les désordres mondiaux actuels. Ma génération grandit dans des villes où des milliers de personnes dorment sous des tentes et dans les rues. Partout dans le monde, surgissent de nouvelles frontières, et de nouvelles techniques de traçages d’une certaine partie de la population dont le corps est devenu lui-même une barrière. En découle la différenciation entre plusieurs parties de la population mondiale : ceux qui peuvent circuler librement/ceux dont les déplacements sont contrôlés, migrants économiques, climatiques, réfugiés de guerre... Témoin de ces bouleversements, je suis partie en 2016 faire mon premier projet photographique Z.I. des Dunes à la Jungle de Calais qui est un territoire symptomatique de l’institutionnalisation des frontières. »

Emma Passera, winner of the Weil Prize, is in her 5th year in the Paris studio.

"My artistic practice deals with putting reality into images and objects through different principles of representation. I reflect contemporary issues in our society through the study of certain territories and practices that reflect current global violence and disorder. My generation grew up in cities where thousands of people sleep in tents and on the streets. All over the world, new borders are emerging, and new techniques of tracing a certain part of the population whose body has itself become a barrier. The result is the differentiation between several parts of the world's population: those who can move freely/those whose movements are controlled, economic migrants, climatic migrants, war refugees... Witnessing these upheavals, I left in 2016 to make my first photographic project Z.I. des Dunes in the Calais Jungle, which is a territory symptomatic of the institutionalization of borders."

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Valentin Ranger

Prix agnés b.

Valentin Ranger, lauréat du prix agnés b. , est en 3eannée dans les ateliers Trouvé, Mesiti, Janssens.

« C’est au cœur de la fragmentation d’un corps sacré, et de la naissance d’un futur Théâtre que se réapproprie mon intimité en lien aux nouvelles technologies et la prise de conscience de monde invisibles, microscopiques et virtuels. Ce bouleversement endogène traduit un lien entre fluidité du corps et accès à d’autres réalités. Du dessin, à la vidéo 3D et à l'installation sculpturale, mon travail vient construire un univers immersif qui trace de nouvelles trajectoires. L’univers qui se construit célèbre une orgie permanente, un écosystème résiliant où les êtres mutants s’interpénètrent horizontalement dans leur mode d’existence pour créer une transcendance. Un monde imaginaire, sur ce que nous ne pouvons pas voir et qui pourtant rentre en nous, nous recrée en mutations et nouvelles histoires permanentes. Incandescent et éphémère, communiant et contaminant positifs d’un futur milieu. »

Valentin Ranger, winner of the agnés b. prize, is in his 3rd year in the Trouvé, Mesiti, Janssens workshops.

"It is at the heart of the fragmentation of a sacred body, and the birth of a future theater that my intimacy is reappropriated in connection with new technologies and the awareness of invisible, microscopic and virtual worlds. This endogenous upheaval translates a link between fluidity of the body and access to other realities. From drawing, to 3D video and sculptural installation, my work builds an immersive universe that traces new trajectories. The universe that is built celebrates a permanent orgy, a resilient ecosystem where mutant beings interpenetrate horizontally in their mode of existence to create a transcendence. An imaginary world, about what we cannot see and yet enters us, recreates us in mutations and new permanent stories. Incandescent and ephemeral, communicating and contaminating positive of a future environment."

Extrait-Film 3D "Eromorphosis: Les âmes en fleurs". 2020 — Valentin Ranger

Prix agnés b.

Valentin Ranger, lauréat du prix agnés b. , est en 3eannée dans les ateliers Trouvé, Mesiti, Janssens.

« C’est au cœur de la fragmentation d’un corps sacré, et de la naissance d’un futur Théâtre que se réapproprie mon intimité en lien aux nouvelles technologies et la prise de conscience de monde invisibles, microscopiques et virtuels. Ce bouleversement endogène traduit un lien entre fluidité du corps et accès à d’autres réalités. Du dessin, à la vidéo 3D et à l'installation sculpturale, mon travail vient construire un univers immersif qui trace de nouvelles trajectoires. L’univers qui se construit célèbre une orgie permanente, un écosystème résiliant où les êtres mutants s’interpénètrent horizontalement dans leur mode d’existence pour créer une transcendance. Un monde imaginaire, sur ce que nous ne pouvons pas voir et qui pourtant rentre en nous, nous recrée en mutations et nouvelles histoires permanentes. Incandescent et éphémère, communiant et contaminant positifs d’un futur milieu. »

Valentin Ranger, winner of the agnés b. prize, is in his 3rd year in the Trouvé, Mesiti, Janssens workshops.

"It is at the heart of the fragmentation of a sacred body, and the birth of a future theater that my intimacy is reappropriated in connection with new technologies and the awareness of invisible, microscopic and virtual worlds. This endogenous upheaval translates a link between fluidity of the body and access to other realities. From drawing, to 3D video and sculptural installation, my work builds an immersive universe that traces new trajectories. The universe that is built celebrates a permanent orgy, a resilient ecosystem where mutant beings interpenetrate horizontally in their mode of existence to create a transcendence. An imaginary world, about what we cannot see and yet enters us, recreates us in mutations and new permanent stories. Incandescent and ephemeral, communicating and contaminating positive of a future environment."

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